“Lídia Vives, konstnären mellan två världar som döljer hemligheter i sina verk”

Sobre mig

Lídia Vives, ursprunget

Född i Lleida, Spanien, 1991 och med en far som var målare, var det enkelt för Lídia att förälska sig i konstvärlden. Som barn drömde hon redan om att bli målare.

Hon brukade föreställa sig själv boende framför en målarduk, hållande en pensel... Det var den här tanken som fick henne att studera sköna konster vid Universitetet Complutense i Madrid för att senare specialisera sig inom bildområdet vid Universitetet i Barcelona.

Påverkan från Henri-Cartier Bresson och selfiekulturen förvandlar Lidias konstnärliga uttryck

När hon var 16 år gammal besökte Lídia en utställning av Henri-Cartier Bresson under en skolresa, hans verk hade en djup påverkan på konstnären som alltid hade betraktat målning som "den högsta konsten”.

Denna tidpunkt sammanföll med framkomsten av de första mobiltelefonerna med främre kamera och explosionen av sociala medier. Det skulle inte dröja länge innan selfie-kulturen dök upp, som Lídia skulle dra maximal nytta av.

Så småningom förvandlade Lídia dessa selfies till självporträtt, vilket gjorde fotografisk konst till hennes huvudsakliga uttrycksform.

Självporträttet: möjligheten att leva nya liv

I ett litet rosa rum, fullt av manga-serietidningar och mjukdjur, med minimalt utrymme och endast en vägg utan affischer, föddes Lidia Vives första skapelser.

De enkla selfies skulle bli självporträtt som gav henne möjlighet att bli nya karaktärer. Hon skulle prata om sina historier och berätta anekdoter från sin vardag.

Konstfotografi - ett uttrycksmedel och hennes yrkeskarriär

Det som från början var ett spel och en flyktväg för att 'komma ut från det rummet', skulle snart och nästan av misstag bli hennes levebröd.

Lídia börjar studera vid universitetet och publicerar sina fotografier på sociala medier. Efterhand kom publiken och med den följde varumärken, gallerier och samlare.

I dag ligger Lídias studio långt ifrån det lilla rummet och hennes bridge-kamera har bytts ut mot en full-frame-kamera.

Hennes verk finns inte bara online, utan också i gallerier, böcker, tidskrifter och hem över nästan alla kontinenter.

En konstnär mellan två världar som ger oss en fotokonst full av överraskningar.

Lídia söker sina referenser i till synes skilda världar. Hennes verk har tydliga kopplingar till måleriet (framför allt italienska renässans- och barockkonstnärer), men vi kan också se influenser från popkultur, punkrörelsen och modefotografi.

Resultatet? En fusion mellan konst och typiskt redaktionell fotografi som alltid berättar en historia. Lídias verk är konstfotografi. Lídias fotografier ser ut som målningar, faktum är att vi kan säga att Lídia målar sina foton.

Lídias verk är originella och mystiska. Skapelser fulla av detaljer, gåtfulla miljöer, kuriositeter och hemligheter gömmer sig bakom Lídias verk. Ja, Lídia gömmer påskägg i nästan varje verk; antingen som hennes emblem eller någon rolig detalj för att ackompanjera fotografierna med en egen humoristisk ton.

Letar efter överraskning och en direkt förbindelse mellan konstnären och åskådaren, uppmuntrar Lídia dem som njuter av hennes verk att gå in i dem och upptäcka deras hemligheter.

Biet, hennes emblem, hennes eget varumärke

Små, flitiga och arbetsamma. Bin är ofta fruktade men de attackerar inte, de försvarar sig bara när de känner sig hotade. Lídia har gjort bin till sin logotyp och signerar alla sina verk med den, och ibland döljer hon den till och med i sina bilder. Vågar du försöka hitta den?

Priser

Lídia Vives arbete har blivit erkänt över hela världen och hon har blivit belönad i olika tävlingar. Destacan la guldmedaljen i Trierenberg Super Circuit (Österrike) 2018, en guldmedalj i Moscow International Foto Awards (Ryssland) 2020, en guldmedalj FIAP och en guldmedalj ISF i Trofeu Torretes de Fotografia (Spanien) samma år, priset som Årets Konstfotograf i Monochrome Awards (USA) 2021, samt priset som Årets Professionella Fotograf i Muse Photography Awards (USA), bland andra.

2021| Guld - Årets Konstfotograf, Konstfotografi (Professionell), Monochrome Awards, USA
Guld - Årets Fotograf (Professionell), Muse Photography Awards, USA
2020| Guld, Konstfotografi - Porträtt (Professionell), Moscow International Foto Awards, Moskva, Ryssland.
FIAP Guldmedalj, Monokrom, Trofeu Torretes de Fotografia, Calella, Spanien
ISF Guldmedalj, Färg, Trofeu Torretes de Fotografia, Färg, Calella, Spanien
2018| Guld, Kategori Självporträtt, Trierenberg Super Circuit, Wels, Österrike

*Fullständig lista här.

Utställningar

Lídia har deltagit i olika utställningar och konstmässor runt om i världen med stöd från olika gallerier samt genom egna utställningar.

Började 2013 med sin utställning "Wonderland" på Institut d'Estudis Ilerdencs i Lleida, där hon presenterade en serie fotografier som visade hennes personliga tolkning av Alice i Underlandet.

Senare, år 2015, hade hon nöjet att delta i Fotofever-mässan med stöd från galleriet Fifty Dots (Barcelona) och presenterade sin serie "Sex" på Louvremuseet i Paris.

Den serien kunde ses igen på olika platser och konstmässor, särskilt i Arles, Casa Golferichs och Art Photo BCN, samt i en separatutställning med Fifty Dots. I denna samling diskuterar hon sex och tabubelagd erotik från en naiv synvinkel med tonårsfigurer.

Bland de olika länder där hon har ställt ut sina verk, förutom Spanien, ingår Frankrike, Österrike, Italien, Australien, Mexiko och USA

2021| Imagenation Milan, Femme et Fatale, Fondazione Luciana Matalon, Milano, Italien (Kollektiv)

International Portrait Photography Awards, Galería Man Ray, Ciudad de México, Mexiko (Kollektiv)

2020| A&D, A d'Art i D de Dona, Galeria Espai Cavallers, Lleida, Spanien (Kollektiv)
2019| Miami Photo Fair, Limited Edition Gallery, Miami, USA (Konstmässa)

Elementum 4.0, FFIEL, León, México (Kollektiv)

2018| Images of Women, Hartlauer Foto Galerie, Linz, Österrike (Kollektiv)

Voies Off, "Transeünts", Fifty Dots Gallery, Arles, Frankrike (Konstmässa)

2017| Exhibit, Casa Golferichs, Barcelona, Spanien (Kollektiv)
2016| Sex Series, Fifty Dots Gallery, Barcelona, Spanien (Individuell)

Art Photo BCN, "Sex Series", Fifty Dots Gallery, Barcelona, Spanien (Konstmässa)

2015| Shared Experience, Inqubator Art Gallery, Melbourne, Australien (Kollektiv)

Fotofever Art Fair, "Sex Series", Fifty Dots Gallery, Paris, Frankrike (Konstmässa)

2013| Wonderland, Institut d'Estudis Ilerdencs, Lleida, Spanien (Individuell)

*Fullständig lista här.

Lídias verk i världen

Lídias verk har sålts till samlare och privatpersoner runt om i världen: Finland, Belgien, Tjeckien, Danmark, Frankrike, Tyskland, Italien, Luxemburg, Nederländerna, Norge, Portugal, Spanien, Sverige, Storbritannien, Schweiz, Österrike, Kanada, USA, Japan, Malta, Kina och Australien.

Upptäck hennes arbete

The housewife

Redan i mycket ung ålder drömde hon om att bli konstnär och resa runt i världen. Hon föreställde sig ett bohemiskt liv, ständigt ombord på ett flygplan och med en annan lägenhet varje vecka i varje land. Denna dröm fick henne redan som liten att avvisa idén att bli hemmafru, med all respekt för detta hedervärda arbete. Hon kunde heller inte föreställa sig att vara gift eller ha barn. Det var helt enkelt inte förenligt med resten av hennes planer.

Emellertid är ödet oberäkneligt och ibland leder det människor på vägar de aldrig hade föreställt sig: att ha barn, en stabil partner eller äktenskap är idéer som inte längre verkar så otänkbara som för några år sedan.

The Housewife refererar till en tid i Lídias liv då hon omedvetet blev precis motsatsen till det hon hade drömt om. Hon gav upp sina ambitioner för att hjälpa någon annan att förverkliga sina. Under den tiden kände sig Lídia fångad, hon kunde inte sluta tänka på det lilla barnet som föreställde sig att sprida sin konst över världen.

The Housewife visar Lídia vid den tiden, med ett liv som antagligen var "lyxigt" men inte var hennes eget liv. I en vacker och färgglad trädgård är hennes självporträtt ändå monokromt och livlöst, i ett försök att återfå den rebelliska anda hon en gång hade.

Rapunzel

För Lídia verkade sagan om Rapunzel alltid vara vansinnig. Måste Rapunzel bära tyngden av prinsen på sitt huvud för att han skulle komma och rädda henne? Kunde inte Rapunzel rädda sig själv?

Lídia's favorit sagor handlade om huvudpersoner som räddade sig själva. Med förebilder som prinsessan Xena, Nikita och Utena. Tjejer som kämpade utan rädsla.

Ändå är idén om en kvinna med långt hår förförisk för Lídia, den har sin charm och väcker definitivt viss romantik.

Rapunzel är ett verk av detaljer, ett arbete som pågår i månader, en process att hitta objekt: en gammal hårborste, en säng med många kuddar som ser mjuk och bekväm ut. Den rätta vasen och ett stilleben med färger som passar den estetik som Lídia hade i åtanke. Hon letade efter en målerisk utseende med en varm belysning.

Kintsugi-19

Inspirerad av den tusenåriga tekniken kintsugi har Lídia i denna fotografiska bild återgett kroppens sårbarhet genom att klä den i traditionella mönster från antik kinesisk porslin och reparera de trasiga bitarna med guld.

Detta guld framträder från ansiktsmasken och sprider sig över kroppen och skapar lungor genom sina sprickor. På så sätt förstår man att masken skyddar vårt andningssystem från det aktuella hotet från coronaviruset.

Detta verk var en beställning från en offentlig institution för att medvetandegöra människor om vikten av att använda ansiktsmask under pandemin.

Eftersom det var något av globalt intresse behövde karaktären vara något opersonlig. Därför är ögonen slutna och hållningen statisk, på detta sätt förstärker Lídia idén om vasen.

Som en konstnär med fokus på detaljer har hon också lagt till en blodröd örhänge för att hedra alla offer för coronaviruset.

If I was a rich girl

Detta verk visar en rik kvinna som slickar på ett frimärke och leker således med en tvetydighet där man inte vet om det verkligen är ett frimärke eller LSD.

Denna tvetydighet kompletteras också genom att använda den populära tecknade figuren Mickey Mouse utanför sitt sammanhang och skapar en dualitet mellan god och oskyldig versus ond och rebellisk.

Lídia inspirerades av låten med samma titel av Gwen Stefani (en anpassning av sången "If I were a rich man" från musikalen "Fiddler on the Roof"). Hon hade också i åtanke estetiken hos Lady Gaga.

Under tonåren fick Lídia en bok på skolan som varnade för farorna med droganvändning. Förutom information om varje specifik drog fanns det också identifieringsfoton för varje drog i boken.

Designen av LSD överraskade Lídia speciellt: de verkade vara som frimärken och många av dem hade barnsliga ritningar.

Hon kunde inte låta bli att tänka på vilken typ av människor som skulle använda dessa droger och om de vid tidpunkten för användningen skulle bry sig om ritningen på dem.

Genom valet av Mickey Mouse-ritningen kan vi återigen observera Lídia's dualitet: en överraskande karaktär som kan verka både glad och läskig på samma gång. Utan tvekan den perfekta karaktären för att representera hennes idé.

Midsommar

Inspirerad av den traditionella svenska festivalen som firar sommarsolståndet, representerar "Midsommar" övergången från en säsong till en annan med en ärmslinga av blommor som gradvis försvinner för att lämna resten av kroppen naken.

Lídia hämtade inspiration från filmen "Midsommar" av Ari Aster, vars estetik förtrollade henne. Hon hade länge haft tankar på att göra en säsongsbetonad representation i stil med Botticelli, men hade inte riktigt klart för sig hur idén skulle se ut. Efter att ha sett filmen kom hon på idén att täcka halva sin kropp med vårblommor och lämna den andra halvan av sommaren oskyddad för att representera den mellanliggande årstiden.

FAQ’s

Hur började du inom fotografins värld?

I början var min avsikt inte att ägna mig åt fotografi. Jag har alltid varit intresserad av konst, men min avsikt var att bli målare - som för mig var "den ultimata konsten". Jag såg inte fotografi som en konstnärlig uttrycksform, utan som dokumentation, tills jag besökte en utställning med Henri-Cartier Bresson och ändrade min åsikt. Därefter började jag intressera mig, men det var först efter en annan utställning, denna gång med Annie Leibovitz, som jag verkligen började överväga att ägna mig professionellt åt fotografi.

Anser du att du är fotograf eller konstnär?

Jag har aldrig betraktat mig själv som en fotograf. Jag vet hur man använder min kamera, jag fotograferar i manuell inställning, men jag är inte en expert på fototeknik. Min styrka ligger inom konsten. Jag tänker inte så mycket på min kameras kapabiliteter som jag gör på om de färger den fångar är de jag letar efter.

Jag är mer bekymrad över andra aspekter som sträcker sig bortom det strikt fotografiska. Till exempel om kompositionen är bra, om färgerna fungerar, om konceptet är väl uttryckt... Dessutom, även om jag inte längre är målare, känner jag inte att jag har slutat måla. Jag tror bara att jag nu använder andra material, men gör samma sak.

Enklare sagt är dessa små inslag i mina bilder "påskägg", som insekter eller små fraser. Vad är den exakta anledningen till inkluderingen av dessa små element?

I själva verket finns det mer än en anledning. Allt började eftersom när jag laddade upp mina fotografier på sociala medier började de spridas och förlora sitt ursprung tills de till slut dök upp på andra fotografers profiler som presenterade dem som sina egna. Jag kom på idén att gömma biet -mitt symbol- i fotografierna för att göra det svårare att ta bort det. Den andra anledningen är att jag insåg att när jag laddade upp en bild på nätet fick jag snabbt en gillning, ofta från samma person. Det är artighetslikes, och det är inte vad jag söker. Det spelar ingen roll för mig om en bild har 100 eller 2000 likes, det jag vill är att publiken tittar på den och analyserar den. Därför informerade jag om att jag gömde detaljer, så att människor kunde leta efter dem och på så sätt få dem att uppleva mitt skapande. Genom att göra detta upptäckte jag att det också skapades en slags interaktion mellan betraktaren och mig själv, och det blev till slut som en lek. En slags "Hitta Willy".

Med vilken kamera började du arbeta i början, och vilken utrustning har du nu?

Jag minns inte den exakta modellen, men min första kamera var en bridgekamera från Fujifilm. För närvarande använder jag en Pentax K1, Sigma 35mm f/1.4-objektiv, Pentax 50mm f/1.8-objektiv och 70mm f/2.4-objektiv, samt konstgjord belysning.

Du har en mycket definierad stil; en egen stil som är mycket igenkännbar, något som är mycket svårt att skapa inom vilken konstnärlig disciplin som helst. Hur kommer man att ha en egen stil?

Det är något som jag ofta blir frågad om och det är egentligen inte så komplicerat. Problemet är att släppa taget och låta det komma naturligt. Till syvende och sist har alla en personlighet och alla har sina egna smaker. Vissa färger och teman tilltalar mer vissa människor, vissa kompositioner tilltalar mer, det handlar om att lyssna på sig själv och projicera det i sitt arbete. Jag tror att något som har hjälpt mig mycket är, förutom att lyssna på mig själv, att ha olika referenser och att inte alla är fotografiska. När du utvidgar ditt bildspråk eller börjar ha mer konstnärlig kultur stärks ditt arbete. Om du bara har samma fotografer som referenser och inte följer målare, skulptörer..., kan det verka som om de inte har något att göra med fotografi, men till slut inser du att det faktiskt har det, och den konstnärliga kulturen hjälper dig mycket. Vi kopierar alla, men om du har bredare referenser, "kopierar" du på något sätt fler människor och i den processen skapar du något nytt. Om du alltid har samma referenser gör du samma saker som dessa konstnärer och du sticker inte ut.

I min fotokonst brukar jag söka efter dualitet. Min personlighet är redan mycket dual och därför är det inte konstigt att mitt arbete också är det. Vissa av mina skapelser är väldigt vänliga och andra är mer aggressiva. Vissa har tydliga målarmässiga referenser och andra har redaktionella referenser. Jag tror att det också beror på det jag nämnde, idén om att ha olika inspirationskällor istället för att begränsa sig till en enda.

En av dina utställningar, "Wonderland" - den första eller en av de första - var viktig för din karriär, eller hur?

Ja, min första utställning var verkligen "Wonderland" och det var också en lyckoträff eftersom jag ställdes ut på ett museum i min hemstad, Lleida. Den utställningen gick väldigt bra och fick mycket uppmärksamhet, det fanns många pressnotiser och det gjorde att folk fick kännedom om mig. Utställningen flyttades också till andra städer och tack vare sociala medier började mitt arbete bli mer känt. Sanningen är att jag inte vet om jag skulle ha kommit dit jag är idag om det inte vore för den utställningen.

Hur ser din kreativa process ut?

Allt börjar med en idé som kan uppstå på olika sätt; antingen genom en intressant föremål, ibland ett ord, ett koncept, en personlig upplevelse eller till och med en färg. Ibland är det en klädesplagg; det beror också på om det är ett personligt projekt eller en kund, då blir produkten inspirationskällan. I det senare fallet tillbringar jag tid med produkten för att känna och uppleva vad den väcker hos mig, ge den personlighet och söka inspiration i den för mitt verk.

Det jag gör är att söka efter referenser, ibland uppstår idén av sig själv, men jag gillar också att undersöka... gå igenom konstnärer, målningar, verk som har element jag gillar. Från den processen uppstår något nytt och jag försöker inte bara kopiera något som redan har gjorts. Jag brukar skriva ner och göra skisser, leta efter allt jag behöver för sessionen eller skapa min egen rekvisita (vilket jag älskar att göra). Sedan är det dags att ta foton och göra efterbearbetning.

Vad betyder biet?

Föddes eftersom jag ville ha en symbol, det verkade mycket viktigt för mig; jag var intresserad av att ha något som var mitt eget. Just på utställningen 'Wonderland' var den mest symboliska fotografen, den som användes för affischerna, en bild där jag har en bi i munnen. Det är en fotograf som är inspirerad av en verk av Irving Penn. Från det ögonblicket tyckte jag att det skulle vara intressant om en bi var symbolen. Dessutom fascineras jag av bin som djur. De är mycket små, men människor är rädda för dem eftersom de är oroliga för att bli stuckna, men bin sticker dig inte om du inte gör dem något ont, de försvarar bara sig själva. På samma sätt anser jag att idén om att världen skulle gå under utan bin är väsentlig. Jag är mycket medveten om klimatförändringarna, det är ett ämne som intresserar mig mycket. Bin är mycket symboliska i det avseendet. Och de var också symbolen för Barberini-familjen, som var stora beskyddare av barocken, så det var en sammanföring av saker som har en viktig betydelse för mig...

En stor del av ditt arbete består av självporträtt. Vad beror det på?

I början började jag med självporträtt på grund av omständigheterna. Jag var i början av min karriär och hade ingen att modellera för mig, så jag bestämde mig för att börja med mig själv. Sen insåg jag att ingen skulle kunna uttrycka allt jag känner bättre än jag själv, så självporträttet blev en del av min arbetsmetod.

Allt började under min tonårstid. De första mobiltelefonerna med framåtvänd kamera kom fram och samtidigt växte sociala medier fram. Med det kom kulturen av selfies. I början hade jag inga konstnärliga ambitioner tills jag med tiden och mognaden upptäckte konsten med självporträtt och lämnade selfies bakom mig.

Vilka konstnärer betraktar du som dina största influenser?

Mina stora influenser är Annie Leibovitz, Miles Aldridge, Guy Bourdin, Tim Walker, Steven Klein, Velázquez, Vermeer, Caravaggio, Bernini, Leonardo och nästan hela den italienska barocken och renässansen.

Från Annie Leibovitz och Tim Walker tar jag med mig deras måleriska nyanser och fascinerande kompositioner och stilar. Både Miles Aldridge och Guy Bourdin lockar mig med den kraft de har när de använder färger. Steven Klein är utan tvekan mitt referens för min mer punkiga stil. Målarna från barocken och renässansen påverkar mig starkt med sin estetik. Från barocken framhäver jag särskilt den komplexa kompositionen och förmågan att fånga rörelsen. Det är något jag har velat uppnå under lång tid.

Som fotografisk konstnär, föredrar du att söka efter en unik bild eller tar du olika bilder och väljer sedan den som intresserar dig mest?

Jag tror att det är väldigt viktigt med en unik bild inom konstfotografi. Jag arbetar mycket för att få fram en enda bild. När det finns fler bilder tycker jag att värdet minskar. Det finns undantag i form av fotografiska serier eller när det handlar om en beställning från en kund. Då är situationen annorlunda. Men när det gäller personliga verk försöker jag undvika "fotograferingar".