“Lídia Vives, de dubbelkunstenaar die geheimen verbergt in haar foto's.”

Over mij

Lídia Vives, de oorsprongen

Geboren in Lleida, Spanje in 1991 als dochter van een schilder, was het voor Lídia gemakkelijk om verliefd te worden op de wereld van kunst. Als kind droomde ze er al van om schilder te worden.

Ze stelde zich vaak voor dat ze voor een doek stond, een penseel vasthoudend... Deze gedachte leidde haar ertoe Schone Kunsten te studeren aan de Complutense Universiteit van Madrid, om uiteindelijk te specialiseren in de tak van Beeld aan de Universiteit van Barcelona.

De invloed van Henri-Cartier Bresson en de 'selfie'-cultuur: de transformatie van Lídia's artistieke expressie

Toen Lídia 16 jaar oud was, ging ze tijdens een schoolreisje naar een Bresson tentoonstelling. Zijn werk had een diepgaande impact op de kunstenaar, die schilderen altijd beschouwde als 'de hoogste kunst'.

Dit moment viel samen met de opkomst van de eerste mobiele telefoons met een camera aan de voorkant en de opkomst van sociale media. Het zou niet lang duren voordat de selfiecultuur ontstond, waarvan Lídia het meeste zou maken.

Langzaamaan transformeerde Lídia die selfies tot zelfportretten, waarmee ze fotografische kunst tot haar belangrijkste manier van artistieke expressie maakte.

Zelfportret: een kans om nieuwe levens te leven

In een kleine roze kamer, vol met "manga" en speelgoed, met zeer weinig ruimte en slechts één wand zonder posters, kwamen de eerste creaties van Lídia Vives tot leven.

Die eenvoudige selfies zouden zich later ontwikkelen tot zelfportretten, waardoor Lídia de kans kreeg om te transformeren in nieuwe personages. Haar kunst zou vertellen over haar verhalen en dagelijkse anekdotes.

Artistieke fotografie, een nieuw middel van expressie en haar professionele carrière

Wat aanvankelijk een spel en een ontsnappingsmethode zou zijn om "uit die kamer te komen", zou al snel en bijna per ongeluk haar levensonderhoud worden.

Lídia begon aan de universiteit te studeren en haar foto's op sociale netwerken te publiceren. Beetje bij beetje begon het publiek te komen en daarmee ook merken, galeries en verzamelaars.

Tegenwoordig ligt de studio van Lídia ver verwijderd van die kleine kamer en is haar bridgecamera vervangen door een full-frame camera.

Haar kunstwerken zijn te vinden, niet alleen online, maar ook in galerijen, boeken, tijdschriften en zelfs huizen op bijna elk continent.

Een kunstenaar tussen twee werelden die ons een fotografische kunst vol verrassingen laat zien

Lídia zoekt haar referenties in werelden die echt ver weg zijn. Haar werk heeft duidelijk picturale referenties (voornamelijk van Italiaanse Renaissance en Barok kunstenaars), maar we kunnen ook invloeden uit de popcultuur en de punkbeweging van modefotografie waarderen in haar creaties.

Het resultaat? Een fusie tussen kunst en redactionele fotografie die tot ons spreekt en altijd een verhaal vertelt. Het werk van Lídia is fotografische kunst. De foto's van Lídia zien eruit als schilderijen; in feite zouden we kunnen zeggen dat Lídia haar foto's schildert.

De werken van Lídia zijn origineel en mysterieus. Haar creaties zijn vol details, enigmatische omgevingen, curiositeiten en geheimen. Ja, Lídia verbergt Paaseieren in bijna elk van haar kunstafdrukken, hetzij haar logo of een ander grappig element om haar foto's te combineren met een uniek gevoel voor humor.

Ze zoekt verrassing en een directe verbinding tussen kunstenaar en toeschouwer, en moedigt mensen die van haar werk genieten aan om erin te duiken en hun geheimen te ontdekken.

De bij, haar handtekening, haar handelsmerk

Klein, hardwerkend en ijverig. Bijen worden vaak gevreesd, maar ze vallen niet aan, ze verdedigen zichzelf alleen wanneer ze zich bedreigd voelen. Lídia heeft van de bij haar handelsmerk gemaakt en het is de handtekening van al haar kunstwerken. Ze verbergt zelfs bijen in sommige ervan. Durf je ze te vinden?

Prijzen

De werken van Lídia zijn wereldwijd erkend en hebben verschillende prijzen gewonnen.

Uitgelicht, de gouden medaille in de Trierenberg Super Circuit (Oostenrijk) in 2018, een gouden medaille op de Moscow International Photo Awards (Rusland) in 2020, een FIAP-gouden medaille en een ISF-gouden medaille op de Trofeu Torretes de Fotografia (Spanje) in hetzelfde jaar, de prijs voor de Artistieke fotograaf van het jaar in de Monochrome Awards (VS) in 2021, naast de prijs voor Professionele fotograaf van het jaar bij de Muse Photography Awards (VS), onder anderen.

2021| Goud - Artistiek Fotograaf van het Jaar, Fine Art (Professioneel), Monochrome Awards, VS
Goud - Fotograaf van het Jaar (Professioneel), Muse Photography Awards, VS
2020| Goud, Beeldende Kunst - Portretfotografie (Professional), Moscow International Foto Awards, Moskou, Rusland
FIAP Gouden Medaille, Monochrome, Trofeu Torretes de Fotografia, Calella, Spanje
ISF Gouden Medaille, Kleur, Trofeu Torretes de Fotografia, Calella, Spanje
2018| Goud, Categorie Zelfportret, Trierenberg Super Circuit, Wels, Oostenrijk

*Volledige lijst hier.

Exposities

Lídia heeft deelgenomen aan verschillende tentoonstellingen en kunstbeurzen over de hele wereld, met de steun van verschillende galerijen en ook individueel.

Vanaf 2013 heeft Lídia deelgenomen aan verschillende tentoonstellingen en kunstbeurzen over de hele wereld, met de steun van verschillende galeries en ook individueel. Het begon met haar tentoonstelling "Wonderland" in het Institut d'Estudis Ilerdencs de Lleida, waar ze een serie foto's presenteerde waarin ze haar persoonlijke visie op Alice in Wonderland liet zien.

Later in 2015 kon ze deelnemen aan de Fotofever-beurs met de steun van Fifty Gallery Dots (Barcelona) en presenteerde ze haar serie "Sex" in het Louvre Museum in Parijs.

Deze serie kon op verschillende locaties en kunstbeurzen opnieuw worden bekeken, met name in Arles, Casa Golferichs en Art Photo BCN, evenals in een solotentoonstelling bij Fifty Dots.

In deze collectie praat ze over seks en taboe-erotiek vanuit een naïef perspectief door middel van tienerpersonages.

Onder de verschillende landen waarin ze heeft geëxposeerd, naast Spanje, kunnen we ook Frankrijk, Oostenrijk, Italië, Australië, Mexico en de Verenigde Staten noemen.

2021| Imagenation Milan, Femme et Fatale, Fondazione Luciana Matalon, Milaan, Italië (Collectief)
Internationale Portretfotografie Awards, Man Gallery Ray, Mexico-stad, Mexico (Collectief)
2020| A&D, A d'Art i D de Dona, Galeria Espai Cavallers, Lleida, Spanje (Collectief)
2019| Miami Photo Fair, Limited Edition Gallery, Miami, Verenigde Staten (Kunstbeurs)
Elementum 4.0, FFIEL, León, Mexico (Collectief)
2018| Beelden van vrouwen, Hartlauer Photo Galerie, Linz, Oostenrijk (Collectief)
Voies Off, "Transeünts", Fifty dots Gallery, Arles, Frankrijk (Kunstbeurs)
2017| Expositie, Casa Golferichs, Barcelona, Spanje (Collectief)
2016| Seks Serie, Fifty dots Gallery, Barcelona, Spanje (Eenpersoons)
Art Photo BCN, "Seks Serie", Fifty dots Gallery, Barcelona, Spanje (Kunstbeurs)
2015| Deelde Ervaring, Inqubator Art Gallery, Melbourne, Australië (Collectief)
Fotofever Kunstbeurs, "Sex Series", Fifty Dots Gallery, Parijs, Frankrijk (Kunstbeurs)
2013| Wonderland", Institut d’Estudis Ilerdencs, Lleida, Spanje (Eenpersoons)

*Volledige lijst hier.

Lídia's kunst over de hele wereld

De kunstwerken van Lídia zijn verkocht aan verzamelaars en individuen van over de hele wereld: Finland, België, Tsjechië, Denemarken, Frankrijk, Duitsland, Italië, Luxemburg, Nederland, Noorwegenr, Portugal, Spanje, Zweden, Verenigd Koninkrijk, Zwitserland, Oostenrijk, Canada, Verenigde Staten, Malta, Slowakije, Japan, China en Australië.

Ontdek haar werk

The housewife

Op zeer jonge leeftijd droomde ze ervan om kunstenaar te worden en de wereld te bereizen. Ze stelde zich een bohemien leven voor, bijna altijd in het vliegtuig en elke week op een andere plek wonend, voortdurend van land veranderend. Van jongs af aan verwierp ze het idee om huisvrouw te worden, met alle respect voor deze eervolle baan. Ze kon zichzelf niet voorstellen als getrouwd of als moeder. Het was gewoon niet compatibel met de rest van haar plannen.

Echter, het lot is grillig en leidt mensen soms naar wegen die ze zich niet kunnen voorstellen: kinderen krijgen, een vaste partner hebben of trouwen zijn ideeën die niet meer zo onvoorstelbaar lijken als een paar jaar geleden.

De Huisvrouw verwijst naar een tijd in Lídia's leven waarin ze, zonder het te beseffen, het tegenovergestelde werd van wat ze had gedroomd. Ze gaf haar ambities op om iemand anders te helpen de zijne te bereiken. Op dat moment voelde Lídia zich gevangen, ze kon niet stoppen met denken aan dat meisje dat zichzelf voorstelde haar kunst over de hele wereld uit te breiden.

De Huisvrouw toont Lídia op dat moment, met een verondersteld "luxueus" leven maar een leven dat niet van haar was. In een mooie en kleurrijke tuin, en toch is haar zelfportret monochroom en levenloos, in een poging, op de een of andere manier, om de opstandigheid terug te krijgen die ze ooit had.

Rapunzel

Voor Lídia leek het verhaal van Rapunzel altijd gek. Moest Rapunzel het gewicht van de prins op haar hoofd dragen zodat hij haar zou komen zien en eindelijk redden? Kon Rapunzel zichzelf niet redden?

De favoriete kinderverhalen van Lídia hadden protagonisten die zichzelf redden. Met referenties zoals Prinses Xena, Nikita en Utena. Meisjes die zonder angst vochten.

Hoewel het idee van een vrouw met lang haar verleidelijk, charmant en zonder twijfel romantisch is.

Rapunzel is een kunstdruk van details, een kunstwerk dat maanden van voorbereiding met zich meebrengt, maanden van het vinden van de juiste objecten: een oude haarborstel, een bed met veel kussens dat er zacht en comfortabel uitziet. De aangegeven vaas en een opstelling met kleuren die zouden werken met de esthetiek die Lídia had voorzien, een schilderachtige uitstraling met een zeer warm licht.

Kintsugi-19

Geïnspireerd door de oude techniek van kintsugi heeft Lídia in deze foto de kwetsbaarheid van het menselijk lichaam weergegeven, door het te kleden in de traditionele patronen van oude Chinese porselein en de gebroken stukken te recomponeren met goud.

Dat goud komt uit het masker en verspreidt zich over het lichaam, waarbij het longen tekent met zijn scheuren. Hiermee wordt gesuggereerd dat het masker ons ademhalingssysteem beschermt tegen de huidige dreiging van het coronavirus.

Deze opdracht werd gegeven door een openbare organisatie om burgers bewust te maken van het belang van het dragen van een masker tijdens de pandemie.

Aangezien het iets van globaal belang was, moest het personage een beetje gedepersonaliseerd zijn. Om deze reden zijn haar ogen gesloten en is haar houding statisch, zo versterkt Lídia het idee van de vaas.

Richtend op details, voegde ze ook een "bloedrode" oorbel toe ter nagedachtenis aan alle slachtoffers die het coronavirus heeft veroorzaakt.

If I was a rich girl

Deze kunstwerk toont een rijke vrouw die een postzegel aflikt, spelend met de ambiguïteit van het niet weten of het werkelijk een postzegel is of LSD.

Deze ambiguïteit wordt verder aangevuld door het populaire cartoonfiguur Mickey Mouse uit context te gebruiken, waardoor een dualiteit ontstaat tussen goed en onschuldig versus slecht en opstandig.

Lídia werd geïnspireerd door het gelijknamige lied van Gwen Stefani (een aanpassing van het lied "If I were a rich man" uit de musical "Fiddler on the Roof"). Bovendien waren de esthetiek van Lady Gaga ook aanwezig.

Als tiener, op de middelbare school, ontving Lídia een boek dat waarschuwde voor de gevaren van drugsgebruik. Het boek bevatte informatie over elke specifieke drug, en er was ook een reeks foto's die elke drug identificeerden.

De ontwerpen van LSD verrasten Lídia vooral: ze zagen eruit als postzegels en veel ervan bevatten tekenfilms.

Ze kon destijds niet vermijden om na te denken over wat voor soort mensen die drug zouden gebruiken en of ze bij het gebruik rekening zouden houden met de cartoon erop.

Mickey Mouse was het geselecteerde personage, opnieuw observeren we Lídia's dualiteit: Mickey Mouse kan zowel vrolijk als sinister tegelijkertijd verschijnen. Zonder twijfel het perfecte personage om haar idee te vertegenwoordigen.

Midsommar

Geïnspireerd door het traditionele Zweedse festival dat de zomerzonnewende viert, wordt in "Midsommar" de overgang van het ene seizoen naar het andere weergegeven met een mouw van bloemen die geleidelijk verdwijnen om de rest van het lichaam bloot te laten.

Lídia werd geïnspireerd door de film "Midsommar" van Ari Aster, waarvan de esthetiek haar betoverde. Lídia had al lang het idee om een seizoensrepresentatie in de stijl van Botticelli te maken, maar ze had geen volledig gedefinieerd idee. Na het bekijken van de film kwam ze op het idee om de helft van haar lichaam te bedekken met bloemen, waarmee ze de lente vertegenwoordigt, terwijl de andere helft onbedekt blijft en de zomer en de overgang tussen beide seizoenen vertegenwoordigt.

FAQ’s

Hoe ben je begonnen in de wereld van de fotografie?

In eerste instantie was het niet mijn bedoeling om me te wijden aan fotografie. Ik ben altijd geïnteresseerd geweest in kunst, maar wat ik wilde was schilder worden -wat voor mij toen "de hoogste kunst" was-. Ik zag fotografie niet als een vorm van artistieke expressie, maar documentair, totdat ik naar een tentoonstelling van Henri-Cartier Bresson ging en mijn mening veranderde. Vanaf dat moment begon ik geïnteresseerd te raken, maar het was pas bij een andere tentoonstelling, dit keer van Annie Leibovitz, toen ik er al aan dacht om er professioneel aan te wijden.

Beschouw je jezelf als fotograaf of als kunstenaar?

Ik heb mezelf nooit beschouwd als een fotograaf. Ik weet hoe ik mijn camera moet gebruiken, ik schiet handmatig, maar ik ben geen expert in fotografische techniek. Mijn kracht ligt in kunst. Ik denk niet zozeer aan de mogelijkheden van mijn camera, maar of de kleuren die het me geeft zijn wat ik zoek.

Ik maak me zorgen over andere dingen dan strikt fotografisch. Bijvoorbeeld, als de compositie goed is, als de kleuren werken, als het concept goed wordt uitgedrukt... bovendien voel ik me, ondanks dat ik geen schilder meer ben, nog steeds als een schilder. Ik denk gewoon dat ik nu andere materialen gebruik, maar hetzelfde doe.

Een handelsmerk van uw werken zijn de "easter eggs" die u in uw foto's achterlaat, zoals kleine insecten of zinnen. Wat is de exacte reden voor de opname van deze kleine elementen?

Eigenlijk zijn er meer dan één reden. Het begon allemaal omdat, toen ik mijn foto's op sociale media plaatste, ze circuleerden tot ze hun auteurschap verloren en ik ze vond in de profielen van andere fotografen die ze als hun eigen werk presenteerden. Het schoot me te binnen om de bij -mijn symbool- binnenin de foto te verstoppen zodat het moeilijker zou zijn om het te verwijderen. De tweede reden is dat ik me realiseerde dat wanneer ik een foto op sociale media plaatste, deze meteen een like kreeg, vaak van dezelfde persoon. Dit zijn beleefdheden likes, en daar ben ik niet naar op zoek. Het kan me niet schelen of een foto 100 of 2000 likes heeft, wat ik wil is dat het publiek ernaar kijkt en het analyseert. Daarom waarschuwde ik dat ik details verborg, zodat mensen ernaar op zoek zouden gaan en op deze manier mijn creatie zouden beleven. Zo ontdekte ik dat er ook een soort interactie tussen mij en de kijker was ontstaan en dat het uiteindelijk als een spel uitpakte. Een soort "Waar is Wally".

Met welke camera begon je te werken in het begin, en wat is je apparatuur nu?

Mijn eerste camera was een Fujifilm bridgecamera, maar ik weet het exacte model niet meer. Momenteel werk ik met de Pentax K1, de Sigma 35mm f/1.4, de Pentax 50mm f/1.8 en 70mm f/2.4 en kunstmatige verlichting.

Je hebt een zeer gedefinieerde stijl; een zeer herkenbare eigen stijl, iets dat zeer gecompliceerd is om te creëren in elke artistieke discipline. Hoe kom je aan je eigen stijl?

Het is iets waar ik vaak naar gevraagd word en het is eigenlijk niet zo ingewikkeld. Het probleem is om het los te laten; het moet iets zijn dat vanzelf naar buiten komt. Iedereen heeft tenslotte een persoonlijkheid en iedereen heeft smaken. Iedereen voelt zich meer aangetrokken tot sommige kleuren, ze zijn meer aangetrokken tot bepaalde thema's, bepaalde composities, het gaat erom naar jezelf te luisteren en het te projecteren in je werk. Ik denk dat iets dat me veel geholpen heeft is naast naar mezelf te luisteren, verschillende referenties te hebben en dat niet allemaal fotografisch was. Op het moment dat je je verbeelding wat verbreedt of meer artistieke cultuur begint te hebben, wordt je werk versterkt. Als je altijd dezelfde fotografen als referenties hebt en geen schilders, beeldhouwers... volgt, lijkt het misschien alsof ze niets met fotografie te maken hebben, maar uiteindelijk zie je dat ze dat wel hebben, en die artistieke cultuur helpt je veel. We kopiëren allemaal onszelf, maar als je bredere referenties hebt, "kopieer" je op een bepaalde manier meer mensen en creëer je iets nieuws in het proces. Als je altijd dezelfde referenties hebt, doe je hetzelfde als die kunstenaars en val je niet op.

In mijn fotografische kunst zoek ik meestal naar dualiteit. Mijn persoonlijkheid is al erg dualistisch en daarom is het niet ongebruikelijk dat mijn werk dat ook is. Sommige van mijn creaties zijn erg vriendelijk en andere agressiever. Sommigen hebben zeer duidelijke schilderkunstige referenties en andere editoriale referenties. Ik denk dat het ook te wijten is aan wat ik al zei, aan het idee om verschillende inspiraties te hebben in plaats van jezelf te beperken tot slechts één.

Een van je tentoonstellingen "Wonderland" - je eerste - was belangrijk in de evolutie van je carrière, nietwaar?

Ja, mijn eerste tentoonstelling was echt 'Wonderland' en het was ook een gelukstreffer omdat ik werd tentoongesteld in een museum in mijn geboortestad, in Lleida. Dat werkte heel goed en het verhuisde veel, er waren veel persberichten en dat maakte het gemakkelijker voor mensen om mij te leren kennen. De tentoonstelling verhuisde ook naar andere steden en dankzij sociale netwerken werd mijn werk breder bekend. De waarheid is dat ik niet weet of ik was gekomen waar ik nu ben als het niet voor die tentoonstelling was geweest.

Hoe is jouw creatieve proces?

Alles begint met een idee dat op verschillende manieren kan ontstaan; hetzij door een object dat mij interesseert, soms een woord, een concept, een persoonlijke ervaring of zelfs een kleur. Soms is het een kledingstuk; het hangt ook af van of het een persoonlijk project of een klant is, waarbij de inspiratie het product zal zijn. In het laatste geval besteed ik tijd aan het voelen en opmerken van wat het oproept of geef het persoonlijkheid en zoek inspiratie in het voor het werk.

Wat ik doe is referenties zoeken, soms komt het idee gewoon naar boven, maar ik hou er ook van om te onderzoeken... kunstenaars, schilderijen, werken bekijken waar ik elementen van leuk vind. Er komt uiteindelijk iets nieuws voort uit dat proces en niet blijven hangen bij iets dat al gedaan is. Meestal schrijf ik op en maak schetsen, ik ga op zoek naar alles wat ik nodig heb voor de sessie of ik maak mijn eigen rekwisieten (wat ik geweldig vind). Dan is het tijd om foto's te maken en nabewerking te doen.

Wat betekent de bij?

Het is ontstaan omdat ik een symbool wilde hebben, het leek me heel belangrijk; ik was geïnteresseerd in iets dat van mij was. Juist in de tentoonstelling 'Wonderland' is de meest symbolische foto, degene die voor de posters is gebruikt, een afbeelding waarop ik met een bij in mijn mond te zien ben. Het is een foto geïnspireerd op een werk van Irving Penn. Vanaf dat moment vond ik het interessant dat het symbool een bij was. Bovendien vind ik bijen een fascinerend dier. Ze zijn heel klein, maar mensen zijn erg bang voor ze omdat ze bang zijn gestoken te worden, maar bijen steken je niet tenzij je iets verkeerds doet, ze verdedigen alleen zichzelf. Ook de gedachte dat de wereld zonder bijen eindigt, lijkt me essentieel. Ik ben me erg bewust van klimaatverandering; het is een onderwerp dat me erg interesseert. Bijen zijn hierin zeer symbolisch. En ze waren ook het symbool van de Barberini-familie, die grote beschermheren van de barok waren, dus dingen kwamen samen die voor mij een belangrijke betekenis hebben...

Veel van uw werk is zelfportretten. Waarom is dat?

In het begin begon ik met zelfportretten vanwege de omstandigheden. Ik was net begonnen en had niemand om voor me te poseren, dus besloot ik met mezelf te beginnen. Later besefte ik dat niemand beter alles kon uitdrukken wat ik voel dan ikzelf, dus bleef het zelfportret overheersen in mijn werkmethode.

Het begon allemaal in mijn tienerjaren. De eerste mobiele telefoons met een camera aan de voorkant verschenen en tegelijkertijd sociale netwerken. Hiermee ontstond de cultuur van de selfie. In het begin had ik geen artistieke bedoelingen, totdat ik na verloop van tijd en rijping de kunst van het zelfportret ontdekte en selfies opzij zette.

Welke kunstenaars beschouwt u als uw grootste invloeden?

Mijn grote invloeden zijn Annie Leibovitz, Miles Aldridge, Guy Bourdin, Tim Walker, Steven Klein, Velázquez, Vermeer, Caravaggio, Bernini, Leonardo en praktisch al het Italiaanse barok en renaissance werk.

Van Annie Leibovitz en Tim Walker geef ik de voorkeur aan hun schilderkunstige nuances en hun fascinerende composities en stijlen. Zowel Miles Aldridge als Guy Bourdin trekken me aan vanwege de kracht die ze hebben bij het gebruik van kleuren. Steven Klein is zonder twijfel mijn referentie voor mijn meest punkstijl. Barok- en renaissance-schilders beïnvloeden mij potentieel met hun esthetiek. Van de barok zou ik vooral de compositorische complexiteit en de mogelijkheid om beweging vast te leggen benadrukken. Het is iets wat ik al lang wilde bereiken.

Als fotografisch kunstenaar geef ik er de voorkeur aan om verschillende opnamen te maken en vervolgens degene te kiezen die mij het meest interesseert.

Ik denk dat het unieke werk heel belangrijk is in artistieke fotografie. Ik werk hard om één foto te krijgen. Op het moment dat er meer zijn, vind ik dat het waarde verliest.

Mijn uitzonderingen zijn bij fotografische series of wanneer het gaat om een verzoek van een klant. In dat geval is de situatie anders. Maar als het om persoonlijk werk gaat, vermijd ik 'sessies'.