“Lídia Vives, l'artiste entre deux mondes qui cache des secrets dans ses œuvres”

A propos de moi

Lídia Vives, ses origines

Née à Lleida, en Espagne, en 1991, et fille d'un peintre, pour Lídia, il était facile de tomber amoureuse du monde de l'art. Dès son enfance, elle rêvait déjà de devenir peintre.

Elle imaginait souvent vivre devant une toile, tenant un pinceau... Cette idée l'a finalement poussée à étudier les Beaux-Arts à l'Université Complutense de Madrid et à se spécialiser dans la branche de l'Image à l'Université de Barcelone.

L'influence d'Henri-Cartier Bresson et la culture selfie transforment l'expression artistique de Lídia

À l'âge de 16 ans, lors d'un voyage scolaire, Lídia assiste à une exposition d'Henri-Cartier Bresson, son travail a un profond impact sur l'artiste qui avait toujours considéré la peinture comme "l'art suprême".

Ce moment a coïncidé avec l'apparition des premiers téléphones mobiles avec appareil photo frontal et la croissance des réseaux sociaux. Ce ne serait pas long avant que la culture du selfie apparaisse, et Lídia en tirerait le meilleur parti.

Petit à petit, Lídia a transformé ces selfies en autoportraits, transformant ainsi la photographie en son principal moyen d'expression artistique.

L'autoportrait : l'opportunité de vivre de nouvelles vies.

Dans une petite chambre de couleur rose, remplie de bandes dessinées manga et de peluches, avec un espace minimal et seulement un mur sans posters, sont nées les premières créations de Lídia Vives.

Ces selfies simples passeraient à devenir des autoportraits, lui donnant la possibilité de se transformer en de nouveaux personnages. Elle parlerait de leurs histoires et raconterait des anecdotes de son quotidien.

La photographie artistique, un moyen d'expression et sa carrière professionnelle.

Ce qui au départ serait un jeu et un moyen d'échapper à "sortir de cette chambre", deviendrait rapidement et presque par accident, son moyen de vie.

Lídia commence à étudier à l'université et à publier ses photographies sur les réseaux sociaux. Petit à petit, le public est arrivé et, avec lui, les marques, les galeries et les collectionneurs.

Aujourd'hui, le studio de Lídia se trouve loin de cette petite chambre et son appareil bridge s'est transformé en un plein format.

Ses œuvres se trouvent non seulement en ligne, mais également dans des galeries, des livres, des magazines et des foyers presque de tous les continents.

Une artiste entre deux mondes qui nous offre une photographie artistique pleine de surprises.

Lídia cherche ses références dans des mondes, initialement très séparés. Son œuvre a clairement des références picturales (principalement des artistes italiens de la Renaissance et de la période baroque), mais nous pouvons également apprécier dans ses créations des influences de la culture pop, du mouvement punk ou de la photographie de mode.

Le résultat ? Une fusion entre l'art et la photographie typiquement éditoriale qui nous parle et nous raconte toujours une histoire. L'œuvre de Lídia est de la photographie d'art. Les photos de Lídia ressemblent à des peintures, en fait, nous pourrions dire que Lídia peint ses photos.

L'oeuvre de Lídia est originale et mystérieuse. Des créations pleines de détails, d'environnements énigmatiques, de curiosités et de secrets se cachent derrière l'oeuvre de Lídia. Oui, Lídia cache des oeufs de Pâques dans presque chacune de ses oeuvres, que ce soit sa marque ou un élément amusant pour accompagner les photographies avec un sens de l'humour propre.

Elle cherche la surprise, et la connexion directe entre l'artiste et le spectateur, en encourageant les personnes qui apprécient son travail à entrer dans ses œuvres, à découvrir ses secrets.

La abeille, son insigne, son propre sceau.

Petites, travailleuses et laborieuses. Les abeilles sont très craintes, mais elles n'attaquent pas, elles se défendent seulement lorsqu'elles se sentent menacées. Lídia a fait de l'abeille son emblème et elle signe toutes ses œuvres et même la cache dans certaines d'entre elles. Vous avez le courage de la trouver?

Premiers

Le travail de Lídia a été reconnu à l'échelle mondiale en remportant plusieurs prix. Elle a remporté la médaille d'or au Trierenberg Super Circuit (Autriche) en 2018, une médaille d'or aux Moscow International Foto Awards (Russie) en 2020, une médaille d'or FIAP et une médaille d'or ISF au Trofeu Torretes de Fotografia (Espagne) dans la même année, le prix de la photographe artistique de l'année aux Monochrome Awards (États-Unis) en 2021, ainsi que le prix de la photographe professionnelle de l'année aux Muse Photography Awards (États-Unis), entre autres.

2021| Or - Photographe Artistique de l'Année, Fine Art (Professionnel), Monochrome Awards, États-Unis
Or - Photographe de l'Année (Professionnel), Muse Photography Awards, États-Unis
2020| Or, Fine Art - Portrait (Professionnel), Moscow International Foto Awards, Moscou, Russie
FIAP Médaille d'Or, Monochrome, Trofeu Torretes de Fotografia, Calella, Espagne
ISF Médaille d'Or, Couleur, Trofeu Torretes de Fotografia, Couleur, Calella, Espagne
2018| Or, Catégorie d'Autoportrait, Trierenberg Super Circuit, Wels, Autriche

*Liste complète ici.

Expositions

Lídia a participé à de nombreuses expositions et foires d'art à travers le monde avec le soutien de différentes galeries et également à titre individuel.

Commençant en 2013 avec son exposition "Wonderland" à l'Institut d'Estudis Ilerdencs de Lleida, où elle a présenté une série de photographies montrant sa vision personnelle d'Alice au Pays des Merveilles.

En 2015, Lídia a eu la chance de participer à la foire Fotofever avec le soutien de la Galerie Fifty Dots (Barcelone) et de présenter sa série "Sex" au Musée du Louvre à Paris.

Cette série pourrait être vue de nouveau dans différents espaces et foires d'art, en mettant en valeur Arles, la Casa Golferichs et Art Photo BCN, ainsi qu'une exposition individuelle avec Fifty Dots. Dans cette collection, elle parle de la sexualité et de l'érotisme tabou d'un point de vue naïf et avec des personnages adolescents.

Entre les différents pays où elle a exposé son travail, outre l'Espagne, se trouvent la France, l'Autriche, l'Italie, l'Australie, le Mexique et les États-Unis.

2021| Imagenation Milan, Femme et Fatale, Fondazione Luciana Matalon, Milan, Italie (Collective)

International Portrait Photography Awards, Galería Man Ray, Cité de Mexico, Mexique (Collective)

2020| A&D, A d’Art i D de Dona, Galeria Espai Cavallers, Lleida, Espagne (Collective)
2019| Miami Photo Fair, Limited Edition Gallery, Miami, États-Unis (Foire d'art)

Elementum 4.0, FFIEL, León, Mexique (Collective)

2018| Images of Women, Hartlauer Foto Galerie, Linz, Autriche (Collective)

Voies Off, "Transeünts", Fifty Dots Gallery, Arles, France (Foire d'art)

2017| Exhibit, Casa Golferichs, Barcelone, Espagne (Collective)
2016| Sex Series, Fifty Dots Gallery, Barcelone, Espagne (Individuelle)

Art Photo BCN, "Sex Series", Fifty Dots Gallery, Barcelone, Espagne (Foire d'art)

2015| Shared Experience, Inqubator Art Gallery, Melbourne, Australie (Collective)

Fotofever Art Fair, "Sex Series", Fifty Dots Gallery, Paris, France (Foire d'art)

2013| Wonderland, Institut d'Estudis Ilerdencs, Lleida, Espagne (Individuel)

*Liste complète ici.

L'œuvre de Lídia dans le monde

Les œuvres de Lídia ont été vendues à des collectionneurs et des particuliers du monde entier: Finlande, Bélgique, La République Tchèque, Danemark, France, Allemagne, Italie, Luxembourg, Les Pays-Bas, Norvège, Portugal, Espagne, Suède, Royaume-Uni, Suisse, Austrie, Canada, États-Unis, Japon, Malte, Chine y L’Australie.

Découvrez son travail

The housewife

Dès son plus jeune âge, elle rêvait de devenir artiste et de voyager dans le monde. Elle imaginait une vie bohème, passant presque toujours dans un avion et ayant un appartement différent chaque semaine dans chaque pays. Ce rêve a fait que Lídia a très tôt écarté l'idée de devenir femme au foyer, avec tout le respect pour ce travail honorable. Elle ne se visualisait pas non plus mariée ou avec des enfants. C'était simplement quelque chose qui n'était pas compatible avec le reste de ses plans.

Cependant, le destin est capricieux et parfois emmène les gens sur des chemins qu'ils ne peuvent pas imaginer: avoir des enfants, une relation stable ou se marier, sont des idées qui ne lui semblent plus aussi insensées qu'il y a quelques années.

"The Housewife" se réfère à une période de la vie de Lídia où, sans s'en rendre compte, elle est devenue tout le contraire de ce qu'elle avait rêvé. Elle a abandonné ses ambitions pour aider une autre personne à réaliser les siennes. À cette époque, Lídia se sentait piégée, elle ne pouvait pas s'empêcher de se rappeler cette petite fille qui se voyait elle-même diffuser son art dans le monde entier.

"The Housewife" montre Lídia à ce moment-là, avec une vie prétendument "de luxe" mais qui n'était pas sa vie. Dans un jardin magnifique et coloré, et pourtant, son autoportrait est monochrome et sans vie, essayant de récupérer, d'une certaine manière, la rébellion qu'elle a eue un jour.

Rapunzel

À Lídia, l'histoire de Rapunzel a toujours semblé folle. Devait-elle supporter le poids du prince sur sa tête pour qu'il vienne la voir et la sauver finalement ? Ne pouvait-elle pas se sauver elle-même ?

Les histoires pour enfants préférées de Lídia mettaient en vedette des personnages qui se sauvaient eux-mêmes, avec des références telles que la princesse Xena, Nikita et Utena. Des filles qui se battaient sans peur.

Cependant, l'idée d'une femme aux cheveux kilométriques est séduisante pour Lídia, elle est charmante et évoque sans aucun doute un certain romantisme.

Rapunzel est une œuvre de détails, une œuvre de mois de travail, une œuvre de trouver des objets : un vieux peigne pour les cheveux, un lit avec beaucoup de coussins qui semble doux et confortable. Le vase indiqué et un boudoir avec des couleurs qui fonctionnent avec l'esthétique que Lídia avait prévu. Elle cherchait une apparence picturale avec une lumière très chaude.

Kintsugi-19

Inspirée par la technique millénaire du kintsugi, dans cette photographie, Lídia a représenté la fragilité du corps humain en le vêtant des motifs traditionnels de la vieille porcelaine chinoise et en recomposant les morceaux brisés avec de l'or.

Cet or émerge du masque et se propage dans le corps en dessinant avec ses fissures des poumons. Cela signifie que le masque protège notre système respiratoire de la menace actuelle du coronavirus.

Cette œuvre était une commande d'un organisme public pour sensibiliser les gens à l'importance d'utiliser le masque pendant la pandémie.

Cependant, étant donné que c'était quelque chose d'intéressant pour le monde entier, le personnage devait être un peu dépersonnalisé. C'est pourquoi les yeux sont fermés et la posture est statique, de cette façon Lídia renforce l'idée de la vase.

L'artiste, qui accorde une grande attention aux détails, a également ajouté un bijou rouge sang pour rappeler toutes les victimes du coronavirus.

If I was a rich girl

Cette œuvre montre une femme riche léchant un timbre, jouant ainsi avec l'ambiguïté de ne pas savoir si c'est réellement un timbre ou de la LSD.

Cette ambiguïté est également renforcée en utilisant le personnage populaire de dessins animés Mickey Mouse en dehors de son contexte, créant ainsi une dualité entre bon et innocent vs. mauvais et rebelle.

Lídia s'est inspirée de la chanson du même nom de Gwen Stefani (adaptation de la chanson "If I were a rich man" du musical "Fiddler on the Roof"). Elle a également pris en compte l'esthétique de Lady Gaga.

En tant qu'adolescente, au lycée, Lídia a reçu un livre qui mettait en garde contre les dangers de la consommation de drogues. En plus des informations sur chaque drogue en particulier, le livre contenait une série de photographies identificatives de chaque drogue.

Les designs de LSD ont particulièrement étonné Lídia : ils lui ont semblé être des timbres et beaucoup contenaient des dessins pour enfants.

En outre, elle s'est demandé quel genre de personnes consommeraient cette drogue et si, au moment de la consommer, elles tiendraient compte du dessin qu'elle contient.

En choisissant le dessin de Mickey Mouse, nous constatons à nouveau la dualité de Lídia : un personnage surprenant par la facilité avec laquelle il peut sembler à la fois joyeux et sinistre. Sans aucun doute, le personnage parfait pour représenter son idée.

Midsommar

Inspiré par la fête traditionnelle suédoise célébrant le solstice d'été, dans "Midsommar", la transition d'une saison à l'autre est représentée par un manchon de fleurs qui disparaît progressivement pour laisser le reste du corps nu.

Lídia s'est inspirée du film "Midsommar" d'Ari Aster, dont l'esthétique l'a enchantée. Depuis un certain temps, Lídia avait en tête de faire une représentation saisonnière à la Botticelli, mais elle n'avait pas encore une idée définie. Après avoir vu le film, elle a eu l'idée de couvrir la moitié de son corps de printemps et de laisser l'autre moitié nue d'été pour représenter cette période intermédiaire.

FAQ’s

Comment avez-vous commencé dans le monde de la photographie?

Au départ, mon intention n'était pas de me consacrer à la photographie. J'ai toujours été intéressé par l'art, mais ce que je voulais était de devenir peintre - qui, à l'époque, pour moi était comme "l'art suprême". Je ne voyais pas la photographie comme un moyen d'expression artistique, mais plutôt documentaire, jusqu'à ce que je sois allé à une exposition d'Henri-Cartier Bresson et que j'ai changé d'avis. À partir de là, je me suis intéressé, mais ce n'est qu'à une autre exposition, cette fois d'Annie Leibovitz, que j'ai commencé à y songer sérieusement.

Est-ce que vous vous considérez comme une photographe ou une artiste?

Je ne me suis jamais considérée comme une photographe. Je sais comment utiliser mon appareil photo, je sais prendre des photos en mode manuel, mais je ne suis pas une experte en technique photographique. Mon point fort, c'est l'art. Je ne pense pas tant aux capacités de mon appareil photo que aux couleurs que je peux obtenir.

Je m'inquiète pour d'autres choses en dehors de ce qui est strictement photographique. Par exemple, si la composition est bonne, si les couleurs fonctionnent, si le concept est bien exprimé ... De plus, malgré ne plus être peintre, je ne cesse pas de me sentir que je n'ai pas arrêté de peindre. Je pense simplement que je n'utilise maintenant plus les mêmes matériaux, mais je fais la même chose.

Une marque distinctive de vos œuvres sont les "œufs de Pâques" que vous laissez dans vos photos, tels que des insectes ou des phrases de petite taille. Quelle est la raison exacte de l'inclusion de ces petits éléments?

En réalité, il y a plus d'une raison. Tout a commencé parce que, lorsque je publiais mes photos sur les réseaux sociaux, elles circulaient jusqu'au moment où je les retrouvais sur les profils d'autres photographes qui les faisaient passer pour les leurs. J'ai eu l'idée de cacher l'abeille - mon symbole - dans la photo pour qu'elle soit plus difficile à effacer. Le deuxième motif est que je me suis rendu compte que, lorsque je publiais une photo sur le réseau, j'avais immédiatement un "j'aime", souvent de la même personne. Ce sont des "j'aime" de courtoisie, et ce n'est pas ce que je cherche. Peu importe si une photo a 100 ou 2000 j'aime, ce que je veux, c'est que le public la regarde et l'analyse. C'est pourquoi j'ai annoncé que je cachais des détails, pour que les gens les cherchent et ainsi leur faire vivre ma création. En faisant cela, j'ai découvert qu'une sorte d'interaction s'était créée entre l'observateur et moi et que cela ressemblait finalement à un jeu. Une sorte de "cherchez Wally".

Avec quelle caméra avez-vous commencé à travailler au début, et quel est votre équipement maintenant?

Je ne me rappelle pas du modèle exact, mais ma première caméra était un bridge de Fujifilm. Actuellement, je travaille avec la Pentax K1, le 35mm f/1.4 de Sigma, le 50mm f/1.8 et 70mm f/2.4 de Pentax et de l'éclairage artificiel.

Vous avez un style très défini; un style propre très reconnaissable, quelque chose de très compliqué à créer dans n'importe quelle discipline artistique. Comment parvient-on à avoir un style personnel?

C'est quelque chose que je suis souvent interrogé et ce n'est en réalité pas si compliqué. Le problème est de le lâcher, cela doit être quelque chose qui vous vient naturellement. En fin de compte, tout le monde a une personnalité et tout le monde a ses goûts. Tout le monde est plus attiré par certaines couleurs, certains thèmes, certaines compositions, il s'agit d'écouter sa propre voix et de la projeter dans son travail. Je pense que quelque chose qui m'a beaucoup aidé est, en plus d'écouter ma propre voix, d'avoir des références variées et que ce ne soit pas toutes photographiques. Lorsque vous élargissez votre imaginaire ou commencez à avoir plus de culture artistique, cela renforce votre travail. Si vous avez toujours les mêmes références de photographes et ne suivez pas les peintres, les sculpteurs ..., cela peut sembler n'avoir rien à voir avec la photographie, mais finalement vous constatez que si, et que cette culture artistique vous aide beaucoup. Nous nous copions tous, mais si vous avez des références plus larges, d'une certaine manière, "vous copiez" plus de gens et, dans ce processus, vous créez quelque chose de nouveau. Si vous avez toujours les mêmes références, vous faites la même chose que ces artistes et vous ne vous démarquez pas.

Dans mon art photographique, je cherche souvent la dualité. Ma personnalité est déjà très duale et il n'est donc pas étonnant que mon travail en soit également. Certaines de mes créations sont très amicales et d'autres plus agressives. Certaines ont des références picturales très claires et d'autres des références éditoriales. Je pense aussi que cela découle de ce que je disais précédemment, à l'idée d'avoir des inspirations diverses plutôt que de se limiter à une seule.

Une de vos expositions "Wonderland" - la première ou l'une des premières - a été importante pour le développement de votre carrière, n'est-ce pas ?

Oui, ma première exposition était vraiment "Wonderland" et c'était aussi une chance parce que j'ai été exposé dans un musée de ma ville natale, à Lleida. Cette exposition a bien fonctionné et a beaucoup circulé, il y a eu beaucoup de articles de presse et cela a facilité la reconnaissance de mon travail. L'exposition a également circulé dans d'autres villes et grâce aux réseaux sociaux, mon travail a été de plus en plus connu. La vérité est que je ne sais pas si j'aurais atteint l'endroit où je suis si ce n'était pas pour cette exposition.

Comment se déroule votre processus créatif?

Tout commence à partir d'une idée qui peut surgir de différentes formes; soit par un objet qui m'a intéressé, parfois un mot, un concept, une expérience personnelle ou même une couleur. Parfois, c'est un vêtement; cela dépend également si c'est un projet personnel ou si c'est un client, dans ce dernier cas, je passe du temps avec celui-ci pour ressentir et remarquer ce qu'il m'évoque ou lui donner une personnalité et trouver l'inspiration en lui pour l'œuvre.

Ce que je fais, c'est de chercher des références, parfois l'idée émerge tout seul, mais j'aime aussi enquêter... examiner des artistes, des peintures, des œuvres dont j'aime les éléments. Ce processus aboutit à quelque chose de nouveau et je ne reste pas avec quelque chose qui a déjà été fait. J'ai l'habitude de prendre des notes et de faire des croquis, je cherche tout ce dont j'ai besoin pour la séance ou je crée mon propre matériel (ce que j'adore). Ensuite, il est temps de faire les photos et la postproduction.

Que signifie l'abeille?

Né pour que j'ai voulu avoir un symbole, il me semblait très important; Je voulais quelque chose qui soit à moi. Précisément dans l'exposition "Wonderland", la photographie la plus symbolique, utilisée pour les affiches, est une image dans laquelle je suis avec une abeille dans la bouche. C'est une photographie inspirée d'une oeuvre d'Irving Penn. A partir de là, il m'a semblé intéressant que ce soit une abeille le symbole. De plus, les abeilles sont un animal qui me fascine. Ils sont très petits, mais les gens ont beaucoup peur d'eux parce qu'ils s'inquiètent d'être piqués, mais les abeilles ne te piquent pas si tu ne leur fais rien, elles ne font que se défendre. De même, je considère essentielle l'idée que sans les abeilles, le monde s'achève. Je suis très consciente du changement climatique, c'est un sujet qui m'intéresse beaucoup. Les abeilles sont très symboliques à cet égard. Et ils étaient également le symbole de la famille Barberini, qui étaient de grands mécènes du baroque, alors des choses qui ont un sens important pour moi se sont regroupées...

Grande partie de votre travail sont des autoportraits. Pourquoi est-ce dû?

Au début, j'ai commencé avec l'autoportrait en raison des circonstances. Je commençais et je n'avais personne pour me modéliser, alors j'ai décidé de commencer avec moi-même. Ensuite, j'ai réalisé que personne ne pouvait mieux exprimer tout ce que je ressens que moi-même, donc l'autoportrait s'est imposé dans ma méthode de travail.

Tout a commencé dans mon adolescence. Les premiers téléphones avec une caméra frontale sont apparus, suivis des réseaux sociaux. C'est ainsi que la culture du selfie est née. Au début, je n'avais pas de prétentions artistiques, mais au fil du temps et avec la maturité, j'ai découvert l'art de l'autoportrait et j'ai laissé les selfies de côté.

Quelles sont les artistes que vous considérez comme vos plus grandes influences?

Mes grandes influences sont Annie Leibovitz, Miles Aldridge, Guy Bourdin, Tim Walker, Steven Klein, Velázquez, Vermeer, Caravaggio, Bernini, Leonardo et pratiquement tout le Baroque et la Renaissance italienne.

Mes influences majeures sont Annie Leibovitz, Miles Aldridge, Guy Bourdin, Tim Walker, Steven Klein, Velázquez, Vermeer, Caravaggio, Bernini, Leonardo et pratiquement tout le baroque et le Renaissance italien. De Annie Leibovitz et Tim Walker, je retiendrais leurs nuances picturales et leurs compositions et stylismes fascinants. Tout comme Miles Aldridge et Guy Bourdin m'attirent pour la force qu'ils ont lors de l'utilisation des couleurs. Steven Klein est sans aucun doute mon référent pour mon style plus punk. Les peintres baroques et de la Renaissance m'influencent potentiellement avec leur esthétique. Du baroque, je soulignerais surtout leur complexité compositionnelle et leur habileté à capturer le mouvement. C'est quelque chose que je veux réussir depuis longtemps.

En tant qu'artiste photographe, êtes-vous en faveur de la recherche d'une image unique ou faites-vous différents prises et choisissez celle qui vous intéresse le plus?

Je pense que dans la photographie artistique, il est très important de réaliser un travail unique. Je travaille beaucoup pour obtenir une seule photo. Lorsqu'il y en a plus, je considère que sa valeur est réduite.

Mes exceptions sont dans les séries photographiques ou lorsqu'il s'agit d'une commande d'un client. Alors la situation est différente. Mais si c'est une œuvre personnelle, je évite généralement les "séances".

*Les questions ont été extraites de différentes interviews.